История Подкасти

Скулптура на летящ Ерос

Скулптура на летящ Ерос

3D изображение

Летящ Ерос, 2 век пр.н.е., производство на Мирина. Musée d'Art et d'Histoire (Musée du Cinquantenaire, Брюксел, Белгия). Направено с CapturingReality.

Този пример първоначално имаше крила, прикрепени към гърба. Той е направен за окачване: предният крак е посочен и не би могъл да поддържа фигурата.

За повече актуализации, моля, помислете да ме последвате в Twitter на @GeoffreyMarchal.

Подкрепете нашитеОрганизация с идеална цел

Нашият сайт е организация с нестопанска цел. Само срещу $ 5 на месец можете да станете член и да подкрепите нашата мисия да ангажираме хора с културно наследство и да подобряваме образованието по история по целия свят.


Статуетка на летящ гол Ерос

Вашият акаунт с лесен достъп (EZA) позволява на хората от вашата организация да изтеглят съдържание за следните цели:

  • Тестове
  • Проби
  • Композити
  • Оформления
  • Груби разфасовки
  • Предварителни редакции

Той замества стандартния онлайн композитен лиценз за неподвижни изображения и видео на уебсайта на Getty Images. EZA акаунтът не е лиценз. За да завършите проекта си с материалите, които сте изтеглили от вашия EZA акаунт, трябва да си осигурите лиценз. Без лиценз не може да се използва по -нататък, като например:

  • презентации на фокус групи
  • външни презентации
  • крайни материали, разпространени във вашата организация
  • всички материали, разпространявани извън вашата организация
  • всички материали, разпространявани сред обществеността (като реклама, маркетинг)

Тъй като колекциите се актуализират непрекъснато, Getty Images не може да гарантира, че всеки конкретен артикул ще бъде достъпен до момента на лицензиране. Моля, прегледайте внимателно всички ограничения, придружаващи лицензирания материал на уебсайта на Getty Images, и се свържете с вашия представител на Getty Images, ако имате въпрос относно тях. Вашият EZA акаунт ще остане в сила една година. Вашият представител на Getty Images ще обсъди с вас подновяване.

Кликвайки върху бутона Изтегляне, вие поемате отговорността за използването на непубликувано съдържание (включително получаване на всички разрешения, необходими за вашето използване) и се съгласявате да спазвате всички ограничения.


Скулптура на летящ Ерос - история

Психея и Купидон: Най -голямата любовна история на митологията

Психика и Амор, също известен като Психика получава първа целувка на Купидон и#8217s (1798), от Франсоа Жерар: пеперудата, надвиснала над Психеята, символизира нейната невинност, преди сексуалното пробуждане.

Amore e Psiche (1707–09) от Джузепе Креспи: Смята се, че лихномантията, форма на гадаене или извикване на дух, е представена тук в използването на лампата от Психея, за да види бога.

Волуптас е изобразена с родителите си, Купидон и Психея, най -вдясно Банкет на Амор и Психея от Джулио Романо.

Предложени статии:

Един коментар

Първият ми коментар! Почитател на Древните от детството. Мога ли да предложа стихотворението на белгийския/френския композитор Сезар Франк, озаглавено „Психика”, написано през 1886 г., ако си спомням правилно. Той е сочен и генерира много изображения … (Слушам класическа музика със затворени очи, за да й позволя да ми говори както в изображения, така и в звук, който извиква изображенията …). Както и да е, версията на Франк има Психея и Ерос. Особено красива е втората част, озаглавена „Les Chardins d’Eros“. Музикално описва Психея, носена нагоре в „градините на Ерос“ от Aeolids, които са придружители на Aeolos, Бог на ветровете. Безценен! О, древни! Нека кладенецът на вашето вдъхновение живее вечно! (Както съм сигурен, че ще стане!)

Това, което Древните са вдъхновявали с различните си изкуства, са най -безценният и повдигащ гнозис, който някога ще принадлежи на човечеството, затова постановявам! (Добре, значи съм никой, но ще се обзаложа, че ще бъда прав!)


Стойка за лампа Eros

Общо описание

Ерос, гръцкият бог на любовта, е показан като красива младост с мъжки и женски характеристики. Фигурата първоначално е била част от държач за лампа и е щяла да има маслена лампа на пружината, която държи в протегната ръка. Скулптурата споделя изразителните, динамични качества на по -късното гръцко елинистично изкуство, изглежда, че лети на красиво детайлните крила. Лампата, от която идва фигурата, вероятно е направена в Източното Средиземноморие за богата къща или вила в Италия. Бронзът е свързан с множество гръцки луксозни стоки, открити от древна корабокрушение близо до град Махдия на брега на Тунис.


Готическа архитектура (c.1120-1500)


Интериор на катедралата Леон в Испания.
Съкровищница на средновековното изкуство на
края на 13 век. Построен през
период 1250-1550, той илюстрира
Испанската готическа архитектура на
1250 -те години. Обърнете внимание на оребрените сводове и
заострени арки.

Въведение: Готическата катедрала

Няма по -добро доказателство за качеството на християнското изкуство през Средновековието от готическата катедрала. Готическият архитектурен стил се появява за първи път в Сен-Дени, близо до Париж, през 1140 г. и в рамките на един век революционизира дизайна на катедралата в цяла Западна Европа. Старият стил на романската архитектура със заоблените тавани, огромните дебели стени, малките прозорци и тъмните интериори бяха заменени от извисяващи се готически арки, тънки стени и огромни витражи, които заливаха интериора със светлина. Чрез промяна на системата на таванни сводове и използване на летящи подпори, за да се промени начина, по който теглото се прехвърля отгоре надолу, готическите архитекти успяха коренно да трансформират интериора и да го направят далеч по -голямо визуално изживяване. Всичко беше по-високо и изглеждаше по-крехко и колонети често достигаха от пода до покрива, привличайки окото с драматична сила. Отвън масивна каменна скулптура добави декорация, както и библейски разказ, със статуи на светии по стените и сложни релефи около порталите и вратите. Добавете мозайки, резбовани олтари, шрифтове и амвони, ярко витражно изкуство, изящни готически светещи ръкописи и скъпоценни църковни метални изделия и можете да разберете защо готическите катедрали представляват едни от най -големите произведения на изкуството, правени някога. Изключителни примери за тези структури включват: катедралата Нотр Дам, Париж (1163-1345), катедралата Шартр (1194-1250) и Кьолнската катедрала (1248-1880).


Кьолнската катедрала (1248-1880)
Прекрасен пример за
Германско готическо изкуство. Обърнете внимание на
набор от летящи подпори
с кули.

Характеристики на готическата архитектура

Готическото изкуство се е развило от романското изкуство и е продължило от средата на 12 век до края на 16 век в някои райони на Германия. Архитектурата е основната форма на изкуството на готиката и основните структурни характеристики на готическия архитектурен дизайн произтичат от усилията на средновековните зидари да решат проблемите, свързани с поддържането на тежки зидани таванни сводове (сводести покриви) на широки разстояния. Проблемът възниква, защото каменната зидария на традиционния сводест покрив упражнява огромен натиск надолу и навън върху стените, върху които се опира, което често причинява срутване. До и включително предходния период на романската архитектура (c.800-1150), строителните дизайнери смятат, че вертикалните опорни стени трябва да бъдат направени изключително дебели и тежки, за да се противодейства и да се абсорбира натиска на свода надолу и навън. Но готическите дизайнери решиха този проблем около 1120 г. с няколко блестящи нововъведения.

Оребрени сводове: Летящи подпори: заострена арка

Първо и най -важно, те разработиха a оребрен свод, съставен от пресичащи се варелни сводове, чиито каменни ребра поддържаха сводест таван от тънки каменни панели. Не само, че тази нова подредба значително намали теглото (и по този начин външната тяга) на таванния свод, но и теглото на свода сега се предаваше по отделно каменно ребро, а не по непрекъснат ръб на стената, и можеше да бъде насочено от ребро към други опори, като вертикални стълбове или летящи контрафорси, което елиминира необходимостта от плътни, дебели стени. Освен това готическите архитекти замениха кръглите арки на свода на цевта с заострени арки която разпределяше теглото на трезора в по -вертикална посока.

Казано по -просто, докато готическите строители не направиха революция в строителния дизайн, тежестта на покрива (свода) падна изцяло върху носещите стени. В резултат на това, колкото по -тежък е покривът или колкото по -висок е покривът, толкова по -ниско и външно натиск върху стените и те трябва да са по -дебели, за да останат изправени. Романска катедрала, например, имаше масивно дебели непрекъснати стени, които заемаха огромно количество пространство и създаваха малки, тъмни интериори. За разлика от това, готическите архитекти насочват тежестта на покрива по ребрата на тавана, през стените към летяща опора (полу-арка) и след това надолу вертикални опори (кейове) към земята. На практика покривът вече не зависи от стените за опора. В резултат на това стените на готическа катедрала биха могли да бъдат построени много по -високо (което направи сградата още по -страхотна), те биха могли да бъдат много по -тънки (което създаде повече вътрешно пространство), те биха могли да съдържат повече прозорци (което доведе до по -светъл интериор и , където е използвано витражно изкуство, повече библейско изкуство за сбора).

Всичко това доведе до появата на изцяло нов тип интериор на катедралата, чиито високи, тънки стени създаваха впечатление за извисяваща се вертикалност, подсилена от многоцветна светлина, наводнена през огромни пространства от витражи. Екстериорът му беше по -сложен от преди, с линии от вертикални стълбове, свързани с горните стени чрез летящи подпори, и големи розови прозорци. С развитието на стила декоративното изкуство има тенденция да замества структурните въпроси. Така беше добавена декоративна каменна зидария, известна като ажурна, заедно с богат асортимент от други декоративни елементи, включително високи портици, върхове и кули.

Майстори масони
Средновековните зидари са били висококвалифицирани занаятчии и тяхната търговия е била най -често използвана при изграждането на замъци, църкви и катедрали. Майстор Мейсън е някой, който също е натоварен с дърводелци, стъклари и други работи (и работни екипи). Всъщност всички квалифицирани и неквалифицирани работници на строителна площадка бяха под наблюдението на майстора масон. Самият той е бил базиран в така наречената масонска ложа. Всички големи строителни обекти щяха да имат Mason's Lodge, от който да се организира цялата работа на обекта.

История и развитие на готическата архитектура

Могат да се разграничат три фази на готическия архитектурен дизайн: ранна, висока и късна готика.

Ранна готика (1120-1200)

Сливането на всички гореспоменати структурни елементи в съгласуван архитектурен стил се случи първо през Ил дьо Франс (регионът около Париж), чиито проспериращи жители имаха достатъчно ресурси, за да построят големите катедрали, които сега олицетворяват готическата архитектура. Най-ранната оцеляла готическа структура е абатството Сен Дени в Париж, започнало около 1140 г. Скоро се появяват катедрали с подобни сводове и прозорци, започващи с Нотр Дам дьо Пари (ок. 1163-1345) и катедралата Лаон (ок. 1112) -1215). Скоро се развиха поредица от четири различни хоризонтални нива: ниво на земята, след това ниво на галерия трибуни, след това ниво на галерия трифорий, над което имаше горно ниво с прозорци, наречено клеритори. Моделът на колони и арки, използвани за поддържане и оформяне на тези различни височини, допринесе за геометрията и хармонията на интериора. Прозорците (декоративни разделители на прозорци) също се развиха, заедно с разнообразна гама от витражи.

Източният край на ранната готическа катедрала се състоеше от полукръгла издатина, наречена апсида, която съдържаше големия олтар, заобиколен от амбулаторията. Западният край - главният вход на сградата - беше много по -визуално впечатляващ. Обикновено той имаше широк фронт, увенчан с две огромни кули, чиито вертикални линии бяха уравновесени от хоризонтални линии на монументални врати (на нивото на земята), над които имаше хоризонтални линии на прозорци, галерии, скулптури и други каменни изделия. Обикновено дългите външни стени на катедралата се поддържат от линии от вертикални стълбове, свързани с горната част на стената под формата на полу-арка, известна като летяща опора. Този ранен стил на готически архитектурен дизайн се разпространява в Европа до Германия, Англия, ниските страни, Италия, Испания и Португалия.

За интересно сравнение с източната архитектура вижте: кхмерският храм Ангкор Ват от 12 век (1115-45 г.) и Храмът на Кандария Махадева от 11 век (1017-29 г.).

Висока готика (1200-80) & quotRayonnant & quot

На континента следващата фаза на готическия дизайн на сгради е известна като готическа архитектура на Rayonnant, чийто английски еквивалент се нарича „украсена готика“. Готическата архитектура на Rayonnant се характеризира с нови масиви от геометрични декорации, които с времето стават все по -сложни, но едва ли има структурни подобрения. Всъщност, по време на фазата на Rayonnant, катедралните архитекти и зидари изместиха вниманието си от задачата да оптимизират разпределението на теглото и да изградят по -високи стени, а вместо това се концентрираха върху подобряването на „външния вид и усещането“ на сградата. Този подход доведе до добавянето на много различни декоративни елементи, включително върхове (изправени конструкции, обикновено остри, с върхове на стълбове, подпори или други външни елементи), корнизи и, по -специално, ажурни елементи за прозорци (като например подложки). Най-характерната черта на готиката Rayonnant е огромният кръгъл розов прозорец, украсяващ западните фасади на много църкви, като катедралата в Страсбург (1015-1439). Други типични характеристики на архитектурата на Rayonnant включват отслабването на вътрешните вертикални опори и сливането на галерията на трифориума с храма, докато стените до голяма степен се състоят от витражи с вертикални решетки, разделени на прозорци. Най -големите примери за стил Rayonnant включват катедралите в Реймс, Амиен, Бурж и Бове.

Късна готика (1280-1500) & quotFlamboyant & quot

Трети стил на готическия архитектурен дизайн се появява около 1280 г. Известен като Ярка готическа архитектура, той е дори по -декоративен от Rayonnant и продължава до около 1500 г. Неговият еквивалент в английската готическа архитектура е & quotPerpendicular style & quot. Характерната особеност на Ярката готическа архитектура е широкото използване на пламък (на френски: flambe) S-образна крива в ажур от каменни прозорци. В допълнение, стените бяха превърнати в едно непрекъснато пространство от стъкло, подкрепено от скелетни стойки и ажурни елементи. Геометричната логика често се затъмняваше, като покриваше екстериора с ажурни елементи, които покриваха зидария, както и прозорци, допълнени от сложни струпвания от фронтони, върхове, високи портици и звездни шарки на допълнителни ребра в сводовете.

Фокусът върху имиджа, а не върху структурната субстанция може да е повлиян от политическите събития във Франция, след като крал Чарлз IV панаир умира през 1328 г., без да остави наследник от мъжки пол. Това предизвика претенции от най -близкия му роднина, неговия племенник Едуард III от Англия. Когато наследството отиде при Филип VI (1293-1350) от френския дом Валоа, това предизвика началото на Стогодишната война (1337), което доведе до намаляване на религиозната архитектура и увеличаване на строителството на военни и граждански сгради, както кралски, така и обществени.

В резултат на това яркият готически дизайн е очевиден в много кметства, гилдии и дори домашни жилища. Малко църкви или катедрали са проектирани изцяло в стил Flamboyant, някои забележителни изключения са Нотр-Дам д'Епин близо до Шалон-сюр-Марн и Сен-Маклоу в Руан. Други важни примери включват северния шпил на Шартр и обиколката на де Боре в Руан. Във Франция ярката готическа архитектура в крайна сметка загуби пътя си - стана твърде украсена и сложна - и беше заменена от класическите форми на ренесансова архитектура, внесени от Италия през 16 век.

Готическа архитектурна скулптура

Готическата скулптура е неразривно свързана с архитектурата - всъщност дори може да се нарече & quotarchitectural скулптура & quot - тъй като екстериорът на типичната готическа катедрала е бил силно украсен с колонни статуи на светци и Светото семейство, както и с разказвателна релефна скулптура, илюстрираща различни библейски теми . Това беше огромен източник на доходи за скулптори в цяла Европа, много от които пътуваха от място на място. По време на ранната готика статуите и релефите са малко променени от романската скулптура в техните твърди, йератични форми - свидетели на фигурите на Кралския портал на катедралата в Шартър (1145-55). Но през 12-ти и началото на 13-ти век те стават по-истински, за което свидетелстват фигурите в катедралата в Реймс (ок. 1240), които притежават индивидуални черти на лицето и тялото, както и естествени пози и жестове. Скулптурата заема по-видна роля през периода 1250-1400 г., като многобройни статуи и други резби се появяват по фасадите на катедрали, обикновено в техните собствени ниши. След това, от около 1375 г. нататък, дворцовият идиом, известен като Международно готическо изкуство, въведе нова ера на усъвършенстване и красивост, която бързо доведе до превъзходна изкуственост във всички видове изкуство, включително международните готически илюминации и живопис, както и скулптура. От около 1450 г. готическата скулптура във Франция е все по -повлияна от ренесансовата скулптура, която се развива в Италия, въпреки че традиционните стилове - особено в дърворезбата - се запазват по -късно в Германия и други райони на Северна Европа.

Готическо възрожденско движение (19 век)
След като се появяват отново в архитектурата в края на 18-ти век (в дома на Strawberry Hill на Хорас Уолпол), готическият дизайн преживява голямо възраждане през периода на викторианската архитектура (ок. 1840-1900), особено в Англия и Америка. Поддържан от изкуствоведа Джон Ръскин (1819-1900) и използван главно заради своите декоративни и романтични черти, готическият възрожденство даде значителен тласък на викторианското изкуство благодарение на сгради като: Къщите на парламента (завършен през 1870 г.), проектирани от Чарлз Бари и August Pugin и Abnthy Fonthill, проектирани от Джеймс Уайът. В Съединените щати стилът е илюстриран от църквата Троица в Ню Йорк (1840), проектирана от Ричард Ъпджон (1802-78) и катедралата Свети Патрик (1859-79), проектирана от Джеймс Ренуик (1818-95). За влиянието на готическата архитектура върху съвременните сгради в Англия и Америка вижте: Архитектура 19 век.

Статии за средновековното изкуство

• Средновековно християнско изкуство (600-1200) Осветени текстове, скулптура.

• Средновековна скулптура (300-1000) От късната античност до романската.

• Средновековни художници (1100-1400) От Гислеберт нататък.

• Отонски изкуство (900-1050) Архитектура, дърворезба от слонова кост, илюминации.

• За повече информация за средновековната архитектура вижте: Енциклопедия за визуални изкуства.


Главният готвач Ерос разказва африканска кулинарна история в Eko Re

Най -голямата кулинарна експозиция ще се проведе в живописна обстановка от причудливи демонстрации на пикантни кулинарни техники, гастрономически интелигентности, музикални забавления и разказване на истории, курирани от популярния готвач от Лагос, Толу Ерос, известен още като готвача милиардер, изключително за най -добрите палитри и ценители.

Фестивалът на палитрите, наречен ”Eko Re ”, свободно преведен като „„ Това е Лагос “, е страстна история за африканската кухня, съставена и подготвена в дегустация от 7 ястия от най-големия международен готвач в Нигерия, използваща храната като предпочитана от него канал на изразяване, който гарантирано ще остави посетителите да бъдат хипнотизирани, като част от първата му почивка в САЩ след пандемията през 2020 г.

Готвачът -милиардер и 1952 х Африка, ускорител на африканското изкуство, култура и история, са отделили юни 2021 г. и#8211 август 2021 г., за да привлекат само най -претенциозните ястия от бреговете на Лос Анджелис до Ню Йорк, за да се присъединят към лятната му ваканция обиколете и споделете еднократно, необичайно и незабравимо кулинарно изживяване, празнувайки африканските кралски особи.

Менюто на готвача Eros ’ може да се похвали с автентични западноафрикански вкусове и#8211 кралска селекция, празнуваща живота и бъдещето, блестяща с Yaji, пикантен и орехов микс специалитет на Hausas, използван при приготвянето на популярната улична храна, наречена Suya Ewa, направена от мед боб (oloyin) и коренно население на Того и Бенин от Западна Африка Egusi, супа, направена от семена от пъпеш и основна храна с хората Igbo от Източна Нигерия пипер супа, направена от колекция от африкански подправки като ataiko, uda и gbafilo , популярно яден в цяла Западна Африка в бирарии, сватби и в студени дъждовни дни Асаро, роден в кралството Йоруба, се прави като пухкаво пюре, Jollof Rice, класически ориз на домати с огромно регионално значение в Западна Африка и Зобо, направен от африкански рубин, изсушени листа от киселец, известен също като “Yakwan Zobo ” в земята Хауса в Нигерия, традиционно се приготвя за гореща напитка, която се прехвърля в глинен съд за охлаждане. За специалния повод неподражаемият готвач Ерос превърна пикантната напитка Zobo във вкусен гел, който ще послужи като ароматно тяло за последния десерт.

Основател и главен готвач на Chef Eros и съсобственици на ILE Eros Restaurant в Лагос, Cookie Jar Bakery и други хранителни предприятия в Нигерия, Chef Eros казва: „Като африканец, който се гордее с моето наследство, нашата история и култура остават неизказани и като такава, тя се превърна в работата ми в живота да разказвам моята история за африканска храна, един курс по един ”.


Ето защо всички мъже в древни статуи имат малки пениси

Обикаляли ли сте някога музей, разглеждали сте забележителности, попивате културата и изведнъж сте били впечатлени от това колко немислимо мънички са мъжките пениси във всички статуи?

Казвам ти какво, не си единственият, ако си погледнал тези статуи и се чудиш защо момчетата в тях са толкова кърваво желаещи да свалят комплекта си и да бъдат уплътнени. Защото там долу няма за какво да крещиш, ако разбираш какво имам предвид.

Но за щастие някой е отговорил на този текущ въпрос: защо направете всички имат такива малки пишки? Дали тогава обикновено беше много по -студено? Защото всички знаем какво се случва с хладния пенис. Или бъркахме тези момчета с възрастни, когато наистина бяха деца в пубертета?

Винаги на първа линия на разследващата журналистика ви предлагаме отговорите.

Всъщност трябва да благодарим на историка на изкуството Елън Оредсън за отговора на този въпрос, след като тя прекара голяма част от професионалното си време, обяснявайки какво точно е причинило тази епидемия от малки дарения.

След като читател изпрати въпроса до своя блог, Как да говорим за история на изкуството, Елън реши да отговори отгоре. Можете да игнорирате тази игра на думи.

Явно всичко е свързано с културните ценности. Така че, както в днешния свят, "големите пениси се възприемат като ценни и мъжествени", тогава нещата бяха напълно различни. „Повечето доказателства сочат факта, че малък пенисите се смятаха за по -добри от големите ", пише Оредсон.

„Една от причините историците, като Кенет Дувър в неговата забележителна книга Гръцки хомосексуализъм, са предположили, че малките пениси са били по -ценни в културно отношение, е че големите пениси са свързани с много специфични характеристики: глупост, похот и грозота ", добавя тя. Толкова лош късмет, ако гаджето ти има огромен, той нямаше да е такъв момък обратно в древногръцките времена.

Историкът на изкуството също пристъпва към защитата на статуите, отбелязвайки, че "те са отпуснати. Ако сравните размера им с повечето отпуснати мъжки пениси, те всъщност не са значително по-малки от тези в реалния живот, които обикновено са". Добре, добре. Ние просто сме свикнали с малко ерекция тук.

„Идеалният гръцки мъж беше рационален, интелектуален и авторитетен“, обяснява Оредсон. "Може би все още е имал много секс, но това не е свързано с размера на пениса и малкият му пенис му позволява да остане хладнокръвен."

И така, имате го. Големите пишки не означават големи снимки през деня, така че мъжете с малки пениси по целия свят вече могат да си поемат дълбока въздишка и да излязат в музеи, където ще бъдат в добра компания.

Следвайте Cat в Twitter.

Като този? Елате и ни проверете в Snapchat Discover.


Скулптура на летящ Ерос - история

Най -добрата партида за продажбата беше тази изящна римска мраморна скулптура, висока 29½ инча, на Ерос, яздещ делфин. Той се продава за 137 500 долара и е датиран около Първия до Втория век от н.е. Коли отбеляза качеството и състоянието на това емблематично изображение като двигател на стойността.

Рецензия от Грег Смит, Снимки Учтивост Hindman

CHICAGO – Античността е в разцвет в Hindman. При първата си продажба като директор и старши специалист на отдела за антики в аукционната къща в Чикаго, Джейкъб Коли събра търг за 1 милион долара. Това беше третата продажба на фирмата от новосформирания отдел.

Коли преди това е работил като управляващ директор на отдела за древно изкуство в Colnaghi –, като въвежда отново най -старата в света търговска галерия в САЩ, като открива клон с Карлос Пикон в Ню Йорк през 2017 г. –, а преди това беше член на отдела по гръцко и римско изкуство в Музея на изкуствата „Метрополитън“.

“ Най -много ме интересуваше възможността да работя с повече материал, "каза Коли. “Colnaghi беше син чип, но вярвам, че средният пазар до голяма степен беше игнориран в Америка. Те имат тази структура в Обединеното кралство, но не е задължително в Съединените щати. Когато Хиндман се обърна към мен, те също признаха, че има начин да се запълни тази празнина. ”

Коли беше доволен от резултатите от първата си продажба.

Средната част на римски мрамор Satyr ще се продава за 75 000 долара. Този избран отрязък от сатирски мрамор е висок 18½ инча и е в съответствие с репутацията на съществото за преследване на менади и обща развратност. Идва от колекцията на Тина и Саймън Бериро.

“ Мисля, че на пръв поглед силата на продажбата беше в класическия портрет,##каза той. “От Птолемей III до Траян имахме страхотно представяне на гръцки и римски портрети. Първите пет лота показват желанието за средни до големи мрамори. Но ако се вгледате по -отблизо, ще видите древната керамика и стъкло, които се представят много добре. ”

Продажбата намери своя лидер на 137 500 долара с римска мраморна скулптура на Ерос, яхнал делфин. Работата е с височина 29½ инча и е датирана около Първия до Втория век от н.е. Той имаше линия на произход, която достига до 70 -те години на миналия век. Коли каза, че образът на Ерос с делфин е плодотворен през цялото време, започвайки от древността и напредвайки през Ренесанса, когато тези изображения бяха преоткрити и възпроизведени. “След това имаше състоянието, качеството и изпълнението на работата – качеството на лицето и изобразяването на Ерос, "каза Коли. “ Понякога делфините могат да бъдат изобразени като доста чудовищни, но този има повече чар от някои от другите. ”

Средната част на римския мраморен сатир най -добре би оценила 45 000 долара за 75 000 долара. Измервайки височина 18½ инча, статуята от Втори век от СЕ включва голата сатирова част отпред и отпред, а високата релефна коса пълзи по краката му като чифт бедра. Сатировият фалос е бил отчупен в някакъв момент в миналото. Коли отбеляза сексуалната привлекателност на средната част на митологичния звяр, която той каталогизира като "долния торс". редица клиенти.

Корицата на разпродажбата беше тази гръцка мраморна пантера, която донесе 68 750 долара. Коли отбеляза, че може да е била двойка с друга, разпродадена от колекцията на галерията Олбрайт-Нокс през 2007 г. Тя е датирана около III до II век пр.н.е.

Други римски акценти включват мраморна портретна глава на император Траян, 11 инча, която се продава за 43 750 долара. Бронз от втори век от СЕ, изобразяващ Венера, донесе 22 500 долара, докато мраморен портрет на мъж, продаден за 22 500 долара. На височина 27½ инча, портретът в естествен размер също е датиран от II век от н.е. и е забележителен с наметалото си, което според фирмата е закрепено около раменете по начин, често повлиян от принцове и знатни служители на военна или висока гражданска служба . ”

С произход, датиращ преди 1906 г., е гръцка мраморна пантерна глава около III -II век пр.н.е. Аукционната къща заяви, че някога е принадлежала върху мраморна пантера в пълен размер-фигура, често изобразявана до Дионис. Кандидатите стигнаха до $ 68,750. Коли посочи подобна фигура, деактивирана от галерията Олбрайт-Нокс в Sotheby ’s през 2007 г. “ Това без съмнение е от същата таванска работилница,#8221 той каза. “ Теорията е, че това може да е двойка, въпреки че шията се чупи по различен начин. Възможно е въз основа на археологическите доказателства, при които двойките животни често се срещат в погребения или по демаркационните граници. ”

Други гръцки предмети биха се справили добре, включително 56 250 долара, платени за мраморна погребална стела с Еврином, която е илюстрирана в заглавието Кларимонт от#8217 от 1993 г. Класически тавански надгробни плочи. Централното изображение в вдлъбнатия панел представя две фигури, свити в ръце, жест на сбогом. Коли го датира на четвърти век преди новата ера. Гръцка мраморна портретна глава на Птолемей III, третият фараон на Египет по време на династията на Птолемей, ще се продава за 37 500 долара. Птолемей III е отговорен за обединението на Египет и Киренаика и династията ще достигне крещендо под неговото управление. Скулптурата е датирана около 180-222 г. пр. Н. Е. И е висока 7¾ инча.

Мраморна погребална стела със сложна резба с Еврином донесе 56 250 долара. Четвърти век пр.н.е.

Предметите, които са от стари колекции или са представени от историята на изложбите, са били популярни сред купувачите. Като $ 43,750 беше цикладична мраморна легнала женска фигура с височина 10½ инча. Това е едно от най -ранните произведения в продажбата, датиращо около Третото хилядолетие преди новата ера или по -късно. Творбата някога е била приписвана на майстора на Стафорд от Пат Гец-Джентъл, въпреки че тя ще преименува художника на Лувърския скулптор. Той беше публикуван в четири книги и изложен три пъти.

Също от стари колекции бяха някои от високо летящите древноегипетски партиди. Продава се за 37 500 долара маска от дърво от мумия, висока само 4¾ инча, която датира от Третия междинен период, около 1070 до 712 г. пр. Н. Е. Работата включва стар етикет за инвентаризация на Дикран Келекиан. “ Отидохме в архива на Келекиан и номерът съвпадна с инвентара, "#каза Коли, доказвайки, че е каталогизиран преди 1926 г. Дикран Келекиан е сред най -ранните дилъри, въвели антики на американския пазар, когато създава галерия в Ню Йорк през 1893 г.

Продава се за 37 500 долара рисувана дървена фигура на египетския бог Птах-Сокар-Озирис, висока 19½ инча. Творбата има произход от колекцията на E Towry White, египтолог от края на деветнадесети век. Беше минал и през музея „Фицуилям“ в Кеймбридж. Фирмата пише: "Птах-Сокар-Озирис е съвкупност от три отделни божества, всички от които са идентифицирани с плодовитост и регенерация, както и със смърт и погребение."#8221 Коли отбелязва, че все още има минерални фрагменти в пигментите, които биха отразявали светлината при осветяване.

Английският египтолог от края на деветнадесети век, Е. Тоури Уайт, е включен в списъка за произхода на тази рисувана дървена фигура на египетския бог Птах-Сокар-Озирис, висока 19½ инча, която се продава за 37 500 долара.

Коли успя да изкопае няколко открития в своите изследвания върху определени обекти. На височина 29 инча, опора за римска мраморна скулптура с мъжки торс би била леко описана като фрагментирана, на фигурата липсват главата, ръката и крака. “ Гледайки го, искате да знаете какво е това ", каза Коли. Скоро той намери сравнимо парче “Хонец с куче ” в Музея за изящни изкуства, Бостън (Inv. 1984.167). Сравним пример изобразява фигурата, която държи тояга в едната ръка и заек в другата, диво прасе мъртво на земята и куче, което се хвърля нагоре, за да вземе заека от господаря си. “ Това, което беше фрагментарно по онова време, се превръща в нещо много повече,##той каза. Той беше продаден за 12 500 долара.

Два панела от фрагменти от римска мозайка, продавани близо един до друг в отделни партиди на 10 000 и 10 625 долара. Coley noted, “These are just humble mosaic fragments, but they were published in A. Michaelis’ 1882 book, Ancient Marbles in Great Britain. Michaelis was an archeologist and ancient art scholar and that book is a major title, a seminal work. He went around to all the treasure houses in England and cataloged their antiquities collections – we know of a lot of these old British collections because of his efforts.” Mosaic panels from this same floor are currently on exhibit at the Art Institute of Chicago.

In leaving New York City, Coley departed one of the more active trading centers for antiquities in the United States, though he noted that the Midwest holds its fair share of bounty.

“The Midwest has a healthy interest in ancient art, and that statement is substantiated by the amount of Midwestern collections consigned to this sale. We had two Midwest private collections and one of them was quite important.

“Overall I’m very pleased with the results,” he concluded. “There were good results in cultures that aren’t necessarily the strongest – people were willing to go outside Greek, Roman and Egyptian.”


Alexander Calder

Sculptor, world renowned for his stabiles and mobiles begun in the 1930 s. Calder’s vision was broad and groundbreaking, and his output was prodigious—ranging from small figurines to large, architecturally related sculptures, from whimsical toys to stage sets.

Джоан Щал Американски художници във фотографски портрети от колекцията на Peter A. Juley & amp Son (Вашингтон, окръг Колумбия и Минеола, Ню Йорк: Национален музей на американското изкуство и Dover Publications, Inc., 1995 г.)

Alexander Calder was born in Philadelphia in 1898 , the son of the distinguished academic sculptor A. Stirling Calder. Trained as a mechanical engineer, he turned to art, attending the Art Students League in New York City. There he took classes with George Luks, Guy Pène du Bois, Boardman Robinson, and John Sloan and subsequently he established himself as an illustrator and caricaturist in New York.

While in Paris in 1926 , he took up sculpture. After working on wood pieces, he began to make circus figures composed of twisted wire, wheels, string, and cloth. His miniature circus captured the attention of the avant-garde in Paris, where he met and was influenced by a number of artists.

Impressed by the work of Juan Miró, Jean Arp, and Fernand Léger, he created his first abstract stabiles in 1930 . These works also owe much to the rectilinear designs of Piet Mondrian. From these early works and his interest in movement, Calder developed handcranked, motorized, and then wind-powered constructions that were dubbed ​ “ mobiles” by the French artist Marcel Duchamp. These sculptures, usually painted in bold basic colors, turn, bob, and rotate, in a constantly changing relationship to the space around them.

National Museum of American Art ( CD-ROM ) (New York and Washington D.C.: MacMillan Digital in cooperation with the National Museum of American Art, 1996 )

Кръстосани течения: Съвременно изкуство от колекцията на Сам Роуз и Джули Уолтърс

В осемдесет и осем поразителни картини и скулптури, Кръстосани токове улавя модернизма, преминал от ранните абстракции от О’Кийф, към Пикасо и Полок в средата на века, до поп рифовете за съвременната култура от Рой Лихтенщайн, Уейн Тибо и Том Веселман - всички илюстриращи ком.


Фрида Кало

Frida Kahlo began to paint in 1925, while recovering from a near-fatal bus accident that devastated her body and marked the beginning of lifelong physical ordeals. Over the next three decades, she would produce a relatively small yet consistent and arresting body of work. In meticulously executed paintings, Kahlo portrayed herself again and again, simultaneously exploring, questioning, and staging her self and identity. She also often evoked fraught episodes from her life, including her ongoing struggle with physical pain and the emotional distress caused by her turbulent relationship with celebrated painter Diego Rivera.

Such personal subject matter, along with the intimate scale of her paintings, sharply contrasted with the work of her acclaimed contemporaries, the Mexican Muralists. Launched in the wake of the Mexican Revolution and backed by the government, the Mexican Muralist movement aimed to produce monumental public murals that mined the country’s national history and identity. An avowed Communist, like her peers Rivera, José Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros, Kahlo at times expressed her desire to paint “something useful for the Communist revolutionary movement,” yet her art remained “very far from work that could serve the Party.” 1 She nonetheless participated in her peers’ exaltation of Mexico’s indigenous culture, avidly collecting Mexican popular art and often making use of its motifs and techniques. В My Grandparents, My Parents, and I, for example, she adopted the format of retablos, small devotional paintings made on metallic plates. She also carefully crafted a flamboyant Mexican persona for herself, wearing colorful folk dresses and pre-Columbian jewelry, in a performative display of her identity.

Kahlo’s early recognition was prompted by French poet and founder of Surrealism André Breton, who enthusiastically embraced her art as self-made Surrealism, and included her work in his 1940 International Exhibition of Surrealism in Mexico City. Yet if her art had an uncanny quality akin to the movement’s tenets, Kahlo resisted the association: “They thought I was a Surrealist but I wasn’t,” she said. “I never painted dreams. I painted my own reality.” 2

Introduction by Charlotte Barat, Curatorial Assistant, Department of Painting and Sculpture, 2016

Frida Kahlo, The Diary of Frida Kahlo, An Intimate Self-Portrait (New York: Harry N. Abrams, 1995), 252.

“Mexican Autobiography,” Време, April 27, 1953, 92.

The research for this text was supported by a generous grant from The Modern Women's Fund.

List of site sources >>>


Гледай видеото: Первый в России полноразмерный памятник писателю Ивану Лажечникову открыли в округе (Януари 2022).